2005 inszenierte Christoph Marthaler «Tristan und Isolde» in Bayreuth. Im Sommer 2012 fällt der letzte Vorhang. In einer abenteuerlichen Aktion rettet die Regieassistentin Anna Sophie Mahler Einzelteile von Anna Viebrocks Bühnenbild vor der Verschrottung. Es sind für sie noch zu viele Fragen offen. Wo Bayreuth aufhört, fängt sie mit ihrer Schweizer Theatergruppe CapriConnection an: In einer abenteuerlichen Rettungsaktion werden Bühnenbildteile des ersten Aktes nach Zürich transportiert. Anna Viebrocks Bühne wird zum Erinnerungsraum.

In Form eines Pastiches erzählen und singen CapriConnection in Tristan oder Isolde von Sehnsucht und Leidenschaft in einer rationellen Welt, von den Schwierigkeiten, den Richtigen oder die Richtige zu finden, von Momenten geflügelter Zweisamkeit, aber auch vom gesellschaftlichen Nutzen der Zweierbeziehung und vom Missbrauch romantischer Gefühle durch die Ökonomie.

Festspiele Zürich 2013
20. Juni 2013, 20 Uhr
Tristan oder Isolde
Ein Pastiche von CapriConnection
Eine Koproduktion mit Festspiele Zürich, Gessnerallee Zürich, Kaserne Basel

Spielort
Gessnerallee Zürich

Weitere Termine
21., 22., 27. bis 29.06., 20 Uhr
23., 30.6., 18 Uhr

Andrzej Saj, der Ansprechpartner des Vereins aller Art in Breslau, hat Anna Kania, eine junge Kunsthistorikerin gebeten, eine Ausstellung für die Galerie zusammenzustellen. Sie hat dafür folgende Künstler- und KünstlerInnen ausgewählt:

Marlena Promna malt Landschaften, in denen sie ihre Umwelt analysiert. Die Interpretation ist einfach, obwohl die Sujets komplizierte Erzählungen enthalten. Eine nostalgische Idylle wird mit Erinnerungen an die Kindheit verbunden.

Krystof Saj konzentriert sich auf psychologisch wichtige Momente und auf den visuellen Ausdruck der Umgebung. Seine subjektiven Wahrnehmungen werden mit ausgewählten, isolierten Elementen der Realität kombiniert.

Tomasz Pietrek interessiert sich für Menschen und ihre alltäglichen Probleme in Form von psychologischen Portraits. Er fokussiert persönliche Standpunkte, Emotionen und Visionen seiner Zeitgenossen und enthüllt was hinter populären Masken verborgen liegt.

Natalia Karasinskas kombiniert alltägliche persönliche Erfahrungen mit Erlebnissen auf ihren Reisen. Sie arbeitet in verschiedenen Formaten - lineare und auratische Elemente dienen als Hinweise auf die Entwicklung des Selbst.

Albertyna Kacalak kombiniert Zeichnung und Malerei mit verschiedenen Materialstrukturen. Sie liebt eine Art indirekter Rede, die schwer zu entschlüsseln ist, indem sie geheimnisvolle Codes und Zeichen verwendet.

Antonio Catelani befasst sich mit Normierungsprozessen im Feld von Skulptur und Plastik im Bezug zur Architektur. Mit jeder Intervention wird der Status des Werks hinterfragt, die Körperlichkeit der Skulptur an die durchlässige Grenze zwischen Entwurf und Gegenstand getrieben, so dass die Trennlinien zwischen den Disziplinen an Schärfe verlieren.

Carlo Guaita arbeitet mit verschiedenen Medien (Malerei, Fotografie, Skulptur, Buch) auf verschiedenen semantischen Ebenen, wobei es konzeptuelle Referenzen und mannigfache Beziehungen zu entdecken gibt. In seiner Forschung betreibt er ein ständiges Katalogisieren und Archivieren. Das Werk präsentiert sich als ungewisse Enzyklopädie.

Im ambivalente Charakter der Arbeiten von Daniela De Lorenzo ist eine Einladung zur Kontemplation zu sehen. Das Nachdenken über die zwei Seiten von allem, Wandlung von Anwesenheit zu Abwesenheit (Tod), das Phänomen des Erscheinens (Geburt) oder das Bewusstwerden einer unsichtbaren Zone, die ihre Spuren im Sichtbaren hinterlässt.

Im philosophischen Klima von strengem Konzeptualismuns und Selbstkritik entwickelt Paolo Masi seine Arbeiten, die sich der "analytischen Malerei" zuordnen lassen, nicht zuletzt deshalb, weil die intensive Reflexion der Materialien einen zentralen Stellenwert in seiner künstlerischen Tätigkeit einnimmt.

Veränderung ist das Resultat unterschiedlicher Strategien in der Arbeit von Paolo Parisi. Durch Färbung der Glasscheiben wird alles in eine andere Farbe getaucht. Nach der Adaptation des Auges wird die Veränderung zur Norm, während sich alles andere in einem neuen Farbspiel den Ausgleich sucht. Die Malerei dient als Auslöser oder Katalysator.

Jubiläumsausstellung Breslau - Florenz
25 Jahre Verein allerArt
28. Juni bis 25. August 2013
Eröffnung: Do 27.06.13, 20 Uhr
Veranstalter: Verein allerArt.

Ort:
Remise, Galerie allerArt Bludenz

Öffnungszeiten:
Mi, Fr, Sa, Sonn-,u. Feiertag
15 bis 18 Uhr, Do 16 bis 20 Uhr

Es muss eine sehr besondere Stunde gewesen sein, dieser frühe Sommermorgen 2010 in Avignon, im Hof des Kreuzgangs der Église des Célestins. Die beiden Tänzer, die sich dort zu einer Spontan-Improvisation trafen, könnten unterschiedlicher kaum sein: Anne Teresa De Keersmaeker, die belgische Choreografin, die eine ganze Generation von Tänzern geprägt hat, und Boris Charmatz, der Star der jüngeren Generation, der in seinem Musée de la danse in Rennes an der experimentellen Öffnung des Tanzes und der Choreografie in Richtung Bildende Kunst und Literatur arbeitet.

Mit ihren Produktionen "En Atendant" und "enfant" waren beide schon 2012 bei Foreign Affairs zu Gast. Doch das Zusammentreffen im Kreuzgang des Célestins hatte sie auf die Idee einer gemeinsamen Arbeit gebracht, die ihre Liebe zur strengen choreografischen Struktur und die Sehnsucht nach improvisatorischer Freiheit verbinden sollte. Das Ergebnis ist bei Foreign Affairs 2013 nun als deutsche Erstaufführung zu erleben: Ein Duo zu Johann Sebastian Bachs berühmten Solostück "Partita Nr. 2", das die belgische Star-Violinistin Amandine Beyer live auf der von dem Künstler Michel François eingerichteten Bühne spielt. "Partita 2" ist also eigentlich eine Dreiecks-Konstellation zwischen Musik, Bewegung und Raum. Wobei Boris Charmatz nur zu gern den Bewegungen von Anne Teresa De Keersmaeker folgt, die sich wiederum von Bachs Musik leiten lässt: als gemeinsame Erforschung einer "lebendigen Architektur", die Charmatz als "musikalisches Labyrinth" beschreibt.

Foreign Affairs
Do, 27. Juni 2013, 20.30 Uhr
De Keersmaeker & Charmatz
Anne Teresa De Keersmaeker, Rosas & Boris Charmatz, Musée de la danse, Brüssel & Rennes "Partita 2"; Tanz; Deutsche Erstaufführung
Choreografie Anne Teresa De Keersmaeker
Musik "Partita Nr. 2" von Johann Sebastian Bach
Violine Amandine Beyer (entwickelt gemeinsam mit George Alexander Van Dam); Tanz Boris Charmatz, Anne Teresa De Keersmaeker
Produktion Rosas

Ort:
Haus der Berliner Festspiele, Große Bühne

Weitere Termine:
Fr 28., Sa 29.06.2013, 20.30 Uhr

2013 steht die WAMCO ganz im Zeichen des Ruhmes. Götzis-New York heißt der Highway, den die West Austrian Musical Company (WAMCO) heuer zum Glühen bringt. Das mit Oskar und Golden Globe ausgezeichnete Musical FAME zeigt das Leben und das Werden junger Musical Talente an der New Yorker "High School of Performing Arts". Parallelen zu 40 Vorarlberger Jugendlichen nicht auszuschließen.

Alan Parkers Film »Fame - Der Weg zum Ruhm« begeisterte 1980 nicht nur das breite Kinopublikum, sondern vor allem jene, die ihr Leben dem Kunstbetrieb widmen wollten. Mit nahezu völlig neuer Musik ging der Stoff 1988 in Miami erstmals über die Musicalbühne, und seitdem fand das Musical in rund 25 Ländern ein begeistertes Publikum. Alan Parker hat, um das Leben New Yorker Jugendlicher mit künstlerischer Begabung zu zeigen, Studenten der New Yorker Schule für darstellende Künste ausgewählt. Sie alle sind um die 20 Jahre alt und spielen praktisch ihr eigenes Leben. Für die meisten war es die erste Filmarbeit überhaupt. Irene Cara hatte bereits Erfahrung mit kleineren Filmrollen als Jugendliche. Sie war es auch, die die größte spätere Karriere hatte. 1982 entstand aus Fame auch eine Fernsehserie, in der einige der Darsteller wiederum mitwirkten. Am 24. Dezember 2009 erschien eine Neuverfilmung von Fame, bei der Kevin Tancharoen Regie führte. Das gleichnamige, auf dem Kinofilm basierende Musical, feierte seine Premiere im Coconut Grove Playhouse in Miami.

Die West Austrian Musical Company unter der Leitung von Marion Lenz und Erich Manser ist zu einem Inbegriff von Kultur- und Jugendarbeit in Vorarlberg geworden. Jährlich erarbeiten etwa 40 Jugendliche aus dem Ländle ein Musical, welches sie auch durchaus an Gegebenheit in Vorarlberg adaptieren und dass sie dann in der Kulturbühne AMBACH professionell auf die Bühne bringen.

Sa, 29. Juni 2013, 20 Uhr
WAMCO MUSICAL "FAME – Der Weg zum Ruhm"

Weitere Termine:
So, 30. Juni 2013, 18 Uhr
Di, 02. Juli 2013, 20 Uhr

Ort:
Götzis (A), Kulturbühne AMBACH

Karten: Musikladen Kartenbüro, T 0043 (0)5522 41000

Noëmi Nadelmann und André Desponds verbindet eine langjährige musikalische Zusammenarbeit. Sie haben unter anderem 1989 eine CD mit Songs von George Gershwin und Cole Porter herausgebracht, die mit viel Begeisterung aufgenommen wurde. Jetzt ergibt sich wieder eine der seltenen Gelegenheiten, die beiden in einem abwechslungsreichen Programm mit jazziger Musik der Roaring Twenties zu hören.

Scott Joplin (1868-1917)
The easy winners (Klavier solo)

George Gershwin (1898-1937)
Someone to watch over me; But not for me; Embraceable you; I've got a crush on you; Oh, lady be good (Klavierimprovisation)

Cole Porter (1893-1964)
You're the top; I concentrate on you; Night and day; It's de-lovely

George Gershwin (1898-1937)
Rhapsody in blue (Klavier solo)
***
Cole Porter (1893-1964)
Anything goes

George Gershwin (1898-1937)
A foggy day; Swanee; Somebody loves me

Joseph Kosma (1905-1969)
Autumn leaves (Klavierimprovisation)

Fr, 21. Juni 2013, 19.30 Uhr
«I Got Rhythm - Gershwin & Co»
Noëmi Nadelmann, Sopran
André Desponds, Klavier

Ort:
Auditorium Martha Müller

Vorverkauf www.kulturticket.ch

Ein kompaktes Festival der Gegensätze umrahmt die kürzeste Nacht im Jahr: Am Beginn steht der wütende Abgesang eines einsamen, desillusionierten Menschen auf die Welt, am zweiten Abend die große Idee der Utopie in einer "Polyphonie von Räumen" mit Prozessionen des Publikums. Zwischen Monodram und großem theatralischem Raumkonzept, mit experimentell-instrumentaler und madrigalesk-vokaler Kammermusik, im kleinsten und im größten Saal des Theaterhauses verorten sich die individuellen Entwürfe einer jüngeren Komponistengeneration. Mit der spektakulären Klangwelt der verstärkten Paetzold-Kontrabassblockflöte wird das Festival eröffnet – und sphärische Klang-Kosmen von Orgelpfeifen entführen uns am Ende der beiden Festivaltage in die Sommernacht.

Fr, 21. Juni 2013,
18 Uhr, Theaterhaus Glashaus
Vortrag von Mark Terkissidis.
Argonautic Culture. About the deceived, seekers, and absentees in the urban archipelago of the Mediterranean. (Eröffnung des Symposiums "Mediterranean Voices");
19.30 Uhr, Theaterhaus T1
Fausto Romitelli: Seascape für Paetzold-Kontrabassblockflöte
Sebastian Claren: Kolik. Musiktheater für Bass solo nach einem Text von Rainald Goetz (UA)
Iris ter Schiphorst: Vergiss Salome. Szene für Koloratursopran und Zuspielband
Eva Reiter: Tourette für Paetzold-Kontrabassblockflöte und Tape
MIT Eva Reiter, Paetzoldkontrabassflöte; Sarah Maria Sun, Sopran; Andreas Fischer, Bass; Titus Selge, Regie; Matthias Schneider-Hollek, Klangregie
21 Uhr, Theaterhaus T1
Lucia Ronchetti: Blumenstudien. Madrigale für fünf Stimmen mit Musik von Gesualdo da Venosa (UA)
Clemens Gadenstätter: "oh - weh" für sechs Stimmen, DE
Francesco Filidei: Dormo molto amore für sechs Stimmen, DE
Clara Iannotta: Limun für Violine, Viola und zwei Umblätterer
Noriko Baba: Gôshu für sechs Stimmen. Über ein Märchen von Kenji Miyazawa
Gabriel Dharmoo: notre meute für fünf Solostimmen
MIT Neue Vocalsolisten Stuttgart; Melise Mellinger, Violine; Barbara Maurer, Viola

Sa, 22. Juni 2013
17.30 Uhr, Theaterhaus, P1
Noriko Baba: Tamayura für Gitarre und Violoncello
Eva Reiter: Alle Verbindungen gelten nur jetzt, für Kontrabassblockflöte, E-Gitarre, Violoncello, Schlagzeug und Tape
Evan Gardner: Variations on a theme by John Cage, für Klavier und Live-Elektronik
Steffen Krebber: Konfusion V, für Ensemble ascolta (UA); Elena Mendoza: contextos juegos für Posaune solo
Sivan Cohen-Elias: LeftOvers für Gitarre, Klavier, Schlagzeug und Violoncello (UA)
MIT Ensemble ascolta; Markus Schwind, Trompete; Andrew Digby, Posaune; Hubert Steiner, Gitarre; Erik Borgir, Violoncello; Boris Müller und Slavik Stakhov, Schlagzeug; Florian Hoelscher, Klavier; Eva Reiter, Kontrabassblockflöte (Gast); Andreas Fischer, Leitung
20 Uhr, Theaterhaus T1
José-María Sánchez-Verdú Atlas. Inseln der Utopie.
Musiktheater, konzertante Aufführung für fünf Vokalsolisten, 12 InstrumentalistInnen,Auraphon, Live-Elektronik und drei Räume "obbligati" Musik, Text und Raum-Dramaturgie: José-María Sánchez-Verdú;
MIT Neue Vocalsolisten Stuttgart; Sarah Maria Sun, Sopran; Truike van der Poel, Mezzosopran; Martin Nagy, Tenor; Guillermo Anzorena, Bariton; Andreas Fischer, Bass; Solistenensemble Kaleidoskop: Pilar Fontalba, Oboen; Andrés Gomis, Saxophone; Joachim Haas, Auraphon; Experimentalstudio des SWR: Live-Elektronische Realisation; Alan Fabian, Klangregie José-María Sánchez-Verdú, Musikalische Leitung; Eine Produktion der KunstFestSpiele Herrenhausen /Gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes
22 Uhr, Theaterhaus Stuttgart, P1 (Musik der Jahrhunderte)
IN / VISIBILE- quasi un monologo circulare
Giacinto Scelsi: Xnoybis für Violine solo
Georges Aperghis: aus "récitations" für Stimme
Peter Jakober: nach aussen, für Violine solo und Elektronik
Klaus Lang: Die Ränder der Welt für Violine solo
Peter Jakober: IN / VISIBILE für Sprecherin, Orgelpfeife, Violine und Live-Elektronik
MIT Annelie Gahl, Violine; Gina Mattiello, Sprecherin; Markus Krispel, Orgelpfeifen; Peter Jakober, Live-Elektronik; Wolfgang Hofer, IN/VISIBILE - Libretto; Karl Christoph Rensch-Kirschfink, Klangregie

Karten Vorverkauf:
Theaterhaus Stuttgart, T: 0049 (0)711 4020720
tickets@theaterhaus.com

Nach 43 Jahren stehen sie erneut ganz oben: Die Heavy-Metal-Veteranen Black Sabbath, die vor kurzem mit "13" ihr Comebackalbum vorlegten, belegen wieder die Spitze der britischen Albumcharts.

Das bedeutet auch einen Rekord für die längste Zeitspanne zwischen zwei Nummer-eins-Alben. Das letzte Mal gelang das der Band um Ozzy Osbourne mit "Paranoid" (1970). "Das ist ein Schock", sagte Osbourne der Official Charts Company. "Der Erfolg dieser Platte hat mich wirklich umgehauen. Wir hatten noch nie ein Album, das so schnell in den Charts nach oben geklettert ist."

Mit einem Besucherrekord ist gestern die 44. Ausgabe der Art Basel zu Ende gegangen. Insgesamt verzeichnete man bei der weltgrößten Messe für Gegenwartskunst, an der heuer mehr als 300 Galerien aus 39 Ländern teilnahmen, 70.000 Besucher, wie die Organisatoren mitteilten.

Aus künstlerischer Sicht waren in den vergangenen Tagen die USA vorherrschend, die mit knapp 80 Galerien die meisten Repräsentanten stellten. Dahinter folgten Deutschland (60) und Großbritannien (40). Österreich war u. a. durch die Galerie nächst St. Stephan Rosemarie Schwarzwälder sowie durch Martin Janda, Ursula Krinzinger, Georg Kargl, Mezzanin, Krobath und die Galerie Thaddaeus Ropac vertreten. Ausgestellt wurden Werke von rund 4.000 Künstlern.

Am Rande der Kunstmesse war es am Freitagabend zu gewalttätigen Auseinandersetzungen gekommen. Die Polizei löste eine unbewilligte Party auf dem Messeplatz auf, die sich gegen ein Kunstprojekt der Art Basel aus Bretterhäuschen mit dem Titel „Favela Cafe“ richtete. Mehrere Personen warfen Flaschen, Sessel und Farbbeutel gegen die Polizisten, die wiederum Gummischrot und Reizstoff einsetzten. (apa)

Die Digitale Bibliothek Ostschweiz (Dibiost) boomt. Mit 95 angeschlossenen öffentlichen Bibliotheken wird die von der St. Galler Kantonsbibliothek Vadiana initiierte Dibiost zur grössten "Onleihe" im deutschsprachigen Raum.

Erfolgreich sei die Dibiost wegen ihres attraktiven und stetig wachsendes Angebots, schreibt Cornel Dora, St. Galler Kantonsbibliothekar und designierter Leiter der St. Galler Stiftsbibliothek, in einer Mitteilung. Wer Mitglied einer der angeschlossenen Bibliotheken ist, kann über die Website "www.dibiost.ch" digitale Medien mit dem Bibliotheksausweis gratis ausleihen: immer, überall, ohne Mahngebühren, in den Ferien, zu Hause und unterwegs.

Die Kunden laden die E-Medien mit wenigen Klicks von der Webseite auf den E-Reader, den Computer oder das Tablet. Während zwei bis drei Wochen stehen die elektronischen Medien zur Verfügung. Nach Ablauf der Ausleihfrist werden die Daten automatisch gesperrt. Es gibt keinen Rückruf und keine Mahngebühren. (sda)

Seit mehr als 30 Jahren gehört der Fotograf, Autor und Regisseur Miron Zownir zu den Radikalsten der Gegenwart. Konsequent setzt er sich mit gesellschaftskritischen und tabu-brechenden Themen auseinander. Nach der Realisation von acht Kurzfilmen als Regisseur und Drehbuchautor in Amerika, meldete er sich mit dem Anti-Rassismus-Kurzfilm »Auf offener Straße« aus dem Jahr 1993 in seiner alten Heimat Deutschland zurück.

Mit dem Kurzfilm »Dead End« aus dem Jahr 1992 widmet sich Miron Zownir einer Gruppe junger Punks aus Pittsburgh, USA, deren lethargische Langeweile bizarre sexuelle Fantasien und einen alptraumhaften Tod auf offener Straße auslöst.

»Bruno S. – Die Fremde ist der Tod« ist ein Dokumentarfilm von 2003, der die Lebensumstände und Vergangenheit von Bruno S. (1932−2010, Berlin) beleuchtet. Aufgewachsen in Heimen, psychiatrischen Anstalten und Obdachlosenasylen, wurde er in der Rolle des Kaspar Hauser in Werner Herzog's Film »Jeder für sich und Gott gegen alle« (1975) bekannt. Zownir's Film zeigt Bruno S. nicht als Opfer von Institutionen und Vorurteilen, sondern als einen Menschen, der allen Benachteiligungen zum Trotz seinen Weg gefunden hat. Gegen die ihm wiederfahrenden Ungerechtigkeiten versuchte Bruno S. sich zu wehren, indem er Bilder malte und über 30 Jahre lang mit seinen Musikinstrumenten um Berlins Häuser zog.

Do, 20. Juni 2013, 20 Uhr
Miron Zownir
"Dead End" & "Bruno S. − Die Fremde ist der Tod"
Filmscreening mit anschließender Diskussion mit dem Regisseur
im ZKM-Vortragssaal

Die Pianisten Martha Argerich und Stephen Kovacevich, zwei Giganten der klassischen Musik, gesehen aus der Perspektive ihrer Tochter Stéphanie. Ein Portrait einer intimen Familie, welche die Beziehung zwischen einer «Göttin» von Mutter und ihren drei Töchtern in Frage stellt. Wie Mutterschaft und künstlerische Karriere, persönliche Selbstverwirklichung und Partnerschaft in Einklang bringen? Ein atemberaubendes Eintauchen in das Herz der Galaxie Argerich, einer aussergewöhnlich matriarchalischen Familie.

Mo 17. Juni 2013, 20.15 Uhr
Argerich
Regie: Stéphanie Argerich
Dokumentation, Schweiz, 2012
Originalton, ab 14 Jahren
Dauer: 95min

In Bludenz wird parallel zur Eröffnung des Vorarlberg Museums eine Klanginstallation im Laurentiusturm besondere Hörerlebnisse bieten. Gleichzeitig wird das der Auftakt zu einer dauerhaften Bespielung des Laurentiusturms: Zuerst mittels Kunst, dann mittels historischer Dokumentation.

Der in Wien lebende Klangkünstler Gammon (Autor des Projekts "zualosna") wurde eingeladen, zum Auftakt eine akustische Kunstidee für den Turm zu entwickeln. Gammons Auseinandersetzung mit akustischem Material bezieht sich generell sehr stark auf die sozialen Gegebenheiten einer Umgebung. Im Zentrum der Erstbespielung stehen die Glocken, als zentrales akustisches Element des Turms. (Bruno Winkler

Bludenz verfügt über reichhaltige historische, kunst- bzw. sakralhistorische Potenziale. Dazu zählt nicht zuletzt auch die Laurentiuskirche mit ihrem Turm. Allein der zeichenhafte Charakter des Turms könnte mittels intelligenter Nutzungsformen ein kulturelles Markenzeichen werden: als historisches, als visuelles, aber auch als künstlerisch interpretierbares Wahrzeichen, hoch über der Altstadt.

Hörinseln im Land - Klangkunst im Turm
Sa 22. Juni 2013, 20 Uhr
Eröffnung

23. Juni 2013, 14-20 Uhr
Tag der offenen Tür

jeden Samstag um 19 Uhr
Klanginstallation

Veranstalter: Bludenz Kultur in Kooperation mit dem vorarlberg museum

Ort:
Laurentiusturm Bludenz

Der Schauspieler Bruno Ganz ist am Sonntag mit dem "Preis für Schauspielkunst 2013" auf dem Festival des deutschen Films in Ludwigshafen geehrt worden. Der 72-jährige gebürtige Zürcher spielte in zahlreichen Theaterstücken und Filmen mit.

"Bruno Ganz ist ein legendärer Schauspieler, der den deutschen Film und auch das deutschsprachige Theater entscheidend geprägt hat", teilte Festivaldirektor Michael Kötz zur Begründung mit. Ebenfalls sei Ganz ein wichtiger Mitstreiter für den intelligenten Autorenfilm. Bei den Filmfestspielen in Cannes 2013 war Ganz in der Verfilmung der Kleist-Novelle "Michael Kohlhaas" mit dem dänischen Schauspieler Mads Mikkelsen in der Hauptrolle zu sehen. Zu seinen bekanntesten Filmen gehören "Der Himmel über Berlin" von Wim Wenders aus dem Jahr 1987 und "Der Untergang" aus dem Jahr 2004, in dem Ganz Adolf Hitler gespielt hatte.

Nach der Preisverleihung am Sonntag sollte das Film-Porträt "Bruno Ganz. Behind Me." von Norbert Wiedmer gezeigt werden. Ebenfalls waren ein Bühnengespräch mit dem Schauspieler und ein Empfang zu Ehren von Ganz geplant.

Bisher waren deutsche Filmgrössen wie Klaus Maria Brandauer, Katja Riemann, Hannelore Elsner und Moritz Bleibtreu mit dem Preis für Schauspielkunst in Ludwigshafen geehrt worden. Im vergangenen Jahr hatten die Schauspieler Sandra Hüller und Otto Sander den undotierten Preis erhalten. (sda)

Der Philosoph Peter Sloterdijk hat am Sonntag in Frankfurt den Ludwig-Börne-Preis erhalten. Er nutzte seine Dankesworte für ein Plädoyer für Europa. "Das europäische Projekt steht vor dem Zerfall", warnte Sloterdijk.

Europa sei ein Ort geworden, "wo die Dinge seit einziger Zeit schrecklich schief laufen", erklärte der Philosoph. Er beklagte "die Umwandlung von Politik in einen Reparaturbetrieb" und forderte die Europäer auf, sich zu weigern, "bei diesem Endspiel nur Zuschauer zu sein". Die Auszeichnung für Essays, Kritik und Reportagen wird seit 20 Jahren vergeben und ist mit 20.000 Euro dotiert. Namensgeber ist der Schriftsteller Ludwig Börne (1786-1837), der als Begründer des politischen Feuilletons gilt.

"Geistreich und auf höchstem literarischen Niveau analysiert Peter Sloterdijk die Schwachheiten des "deutschen Michel" und verschreibt ihm die bisweilen bittere Medizin der Selbsterkenntnis", würdigte der Vorsitzende des Vorstands der Ludwig-Börne-Stiftung, Michael A. Gotthelf, in der Paulskirche den diesjährigen Preisträger. Der Literaturwissenschaftler Hans Ulrich Gumbrecht, der als Preisrichter Sloterdijk ausgewählt hatte, nannte ihn in seiner Festrede "den sprachmächtigsten deutschen Philosophen seit Nietzsche". Er habe die deutsche Öffentlichkeit immer wieder "in intensive Zustände intellektueller Wachheit versetzt". Selbst Börne würde über Sloterdijk sagen: "Ich habe meinen Meister gefunden."

Nicht anwesend, aber doch in allen Reden präsent war der Preisträger von 2007: Henryk M. Broder. Er hatte angedroht, seinen Börne-Preis zurückzugeben - aus Protest gegen die Ehrung Sloterdijks, dem er vorwirft, nach den Anschlägen 11. September 2001 Terror und Massenmord kleingeredet zu haben.

Broder habe schon einmal angekündigt, seinen Preis zurückzugeben, berichtete Stiftungs-Vorstand Gotthelf: Damals aus Protest gegen eine Veranstaltung, mit der die Börne-Stiftung nichts zu tun gehabt habe. "Wir beraten gerade über eine Satzungsänderung, wonach der Preis maximal zweimal zurückgegeben werden darf." (sda)

In der österreichischen Gegenwartskunst markiert Josef Schwaiger eine Position, die sich seit den 1980er Jahren besonders intensiv mit dem Begriff "Malerei" beschäftigt. Der Künstler reflektiert in seiner Arbeit die Systemfaktoren der Malerei, die er strukturell erörtert und auf differenzierte Anwendungsmöglichkeiten überprüft. In der Ausstellung gibt Josef Schwaiger ausschnitthaft einen Überblick über sein malerisch-konzeptuelles Werk sowie seine neuen Arbeiten.

Josef Schwaiger - Double Booked
21. Juni bis 15. September 2013
Eröffnung: 20. Juni 2013, 18 Uhr

Als Satellit der "Schaustelle" gastiert die Sammlung Moderne Kunst der Pinakothek der Moderne mit einer Ausstellung im Museum Mobile des Audi Forums Ingolstadt. Der international renommierte Künstler Jürgen Partenheimer bespielt die Rotunde des Museum Mobile mit einer szenischen Installation. Der programmatischen Offenheit und Transparenz der Architektur begegnet der Künstler mit subtilen Eingriffen und gezielten Markierungen: Vorhänge umrahmen und dämmen den Blick nach außen, großflächige Wandzeichnungen verhüllen Wandelement und Pfeiler.

Von weit oben hängt eine Skulptur und trifft auf eine Versammlung surreal anmutender Objekte auf einer zentral gesetzten Ebene. Abstrakte Gemälde und Zeichnungen tauchen an überraschenden Orten auf. Innerhalb der auf Eindeutigkeit und Identifikation angelegten Produktwelt des Automobilmuseums entsteht eine eindrucksvolle Rauminstallation, die den Besuchern subjektive und reflexive Erfahrungsräume öffnet.

Der 1947 in München geborene Künstler ist für sein vielschichtiges Werk bekannt, das Gemälde und Arbeiten auf Papier, Skulpturen, Objekte und literarische Texte umfasst. In seiner künstlerischen Formulierung verbinden sich konstruktive Elemente der Minimal Art mit lyrischer Intensität. Mit kritischem Bewusstsein vermisst und kartografiert Partenheimer den ständig neu zu bestimmenden Freiraum der Kunst und ihrer Praxis. Als Repräsentant einer subjektiven Abstraktion zählt er zu den bedeutendsten deutschen Künstlern seiner Generation.

In den 1980er Jahren wurde Jürgen Partenheimer durch seine Teilnahme an den Biennalen von Paris, São Paulo und Venedig international bekannt. 2000 wurde er als erster zeitgenössischer Künstler aus Deutschland mit einer Retrospektive in China in der Nationalgalerie Peking und dem Nanjing-Museum, Nanjing, geehrt. Wichtige Einzelausstellungen seines Werkes fanden u. a. in der Neuen Nationalgalerie Berlin, dem Städelschen Kunstinstitut Frankfurt, Stedelijk Museum Amsterdam, IVAM Valencia, S.M.A.K. Gent, Pinacoteca do Estado de São Paulo, Kunsthalle Karlsruhe, Ikon Gallery, Birmingham, Gemeentemuseum Den Haag und dem Kunstmuseum Bonn statt.


Jürgen Partenheimer. Der Besuch
Die Pinakothek der Moderne zu Gast bei Audi
27. Juni bis 22. September2013

Museum Mobile im Audi Forum Ingolstadt
Ettinger Straße | D-85057 Ingolstadt
Geöffnet täglich 9 bis 18 Uhr

"Pavilionesque", die erste Einzelausstellung in der Schweiz der polnischen Künstlerin Paulina Olowska, zeichnet sich durch ein dreidimensionales Modell aus oder durch eine lebensgrosse Skizze eines hölzernen Pavillions – eine Art von funktionaler Skulptur, dass als Ort für Performances dient, aber auch als Präsentationsraum für neu produzierte Arbeiten, wie Malereien, Keramiken, Skulpturen und Puppen.

All diese Arbeiten fundieren auf der Idee der Kreation eines zeitgenössischen Puppen- /Performance- /Puppen-Theaters. Die Ausstellung bringt all diese minderheitlichen Genres zusammen in einer künstlerischen Arbeit, die nicht nur angesehen, sondern auch begangen werden kann.

Paulina Olowska (geb. 1976 in Gedansk, Polen) lebt und arbeitet in Raba Nizna, Polen.


Paulina Olowska – Pavilionesque
13. Juni bis 1. September 2013

Der Künstlerförderpreis 2013 der Stadt Friedrichshafen wird am Freitag, 21. Juni um 19 Uhr im Zeppelin Museum durch Bürgermeister Peter Hauswald verliehen. Im Rahmen der Preisverleihung präsentieren die ausgezeichneten jungen Künstler und Künstlerinnen Niklas Binzberger, Sören Hiob, Florian Schwarz, Hanna Fidelis Sieke, alle vier sind Bildende Künstler, Ausschnitte aus ihrem Werk, u. a. werden ein Kunst-Kurzfilm sowie Kunst-Videos und Bilder gezeigt. Zur Preisverleihung mit anschließendem Stehempfang sind alle Interessierten herzlich eingeladen.

21. Juni 2013, 19 Uhr
Verleihung des Künstlerförderpreises der
Stadt Friedrichshafen
für junge Künstlerinnen und Künstler

Ort:
Zeppelin Museum

"Time Is On My Side" ist ein Stück über die Wahrnehmung von Zeit. Als Zirkusvorstellung angelegt, synchronisiert dieser experimentelle Abend Zeit und Aufmerksamkeit: Unter der Zeltkuppel haben sich alle versammelt zum Spiel – Elefanten, Clowns, Artisten – um sich und das werte Publikum ins jetzt zu katapultieren. Dazu ticken die Metronome und geben den Takt an. Uhren, die ihren eigenen Gesetzen folgen, beherrschen diese Welt.

«Mein (bescheidener) Zirkus: zehn Pferde, ein Zelt, etwa 300 Kronen Betriebskapital (umgerechnet ca. 6000 Franken). Dazu Miss Constanza, die Tochter Maria Doré (aus erster Ehe) und eine Handvoll erlesener bester MitarbeiterInnen, alle circusbesessen. Mit ihren Geschichten, die sich nicht messen lassen. Und dann machen wir 15 Minuten Pause.»

18. Juni 2013, 20 Uhr
Time Is On My Side / Corsin Gaudenz
Zürcher Restspiele 2013
Spiel: Sascha Gersak, Evelyne Gugolz, Marisa Godoy, Klaas Hübner, Trixa Arnold, Dominique Müller, Corsin Gaudenz
; Konzept, Regie: Corsin Gaudenz; Bühne: Frieda Schneider; Musik, Dramaturgie: Trixa Arnold
; Musik, Installationen: Klaas Hübner
 u.a.m.; Koproduktion: Fabriktheater Rote Fabrik Zürich


Ort:
Fabriktheater

Weiterer Termin:
19. Juni 2013, 20 Uhr

Rote Fabrik
Seestrasse 395
CH - 8038 Zürich
T: 0041 (0)44 4855858
F: 0041 (0)44 4855859
info@rotefabrik.ch

Spiel um Zeit von Arthur Miller ist angelehnt an die tatsächliche Geschichte der Fania Fenelon, Chansonsängerin aus Paris, die während des 2. Weltkriegs als "Halbjüdin" nach Auschwitz gebracht wird und dort nur deshalb überlebt, weil sie dem sogenannten "Mädchenorchester2 beitritt. Dieses Orchester wurde ursprünglich von der Lagerleitung gegründet, um die Gefangenen "im Gleichschritt marschieren" lassen zu können. Später wurde es auch für Privatkonzerte verwendet. Das Orchester, das 1943 gegründet wurde, war eine Chance für die Mitglieder, das Grauen von Auschwitz zu überleben.

Trotzdem oder gerade deswegen kamen innerhalb des Orchesters immer wieder Bedenken auf, ob diese Art von Überleben (dem verhassten Feind schöne Musik zu bieten) moralisch vertretbar war. Dies und die Konflikte innerhalb des Orchesters, die Auswirkungen der permanenten Todesangst auf die Orchestermitglieder, der unerträgliche psychische Druck dem die Beteiligten ausgesetzt waren, sind die Themen die dieses Stück vordringlich behandelt. Ein Stück über den Verlust der Menschlichkeit.

Do, 20. Jun 2013, ab 20.30 Uhr
Theater Motif - Arthur Miller:
"Spiel um Zeit"
Unter Leitung von: Yener Polat (Idee und Konzept, Produktionsassistenz); Michael Schiemer (Regie und Dramaturgie); Lukas Schiemer (Komposition); Yunus Kaya, Meryem Aksu und Gökce Yalcin (musikalische Leitung); Peter Büchele (Bühne); Arndt Rössler (Licht); Wolfgang Pevestorf (Sprechtechnik); Musikalische Begleitung: Between Sazgruppe: Leitung Erol Yildiz, Kadir Varli, Aysun Ekici, Defne Ekici, Selahattin Demir, Can Gerboga, Aziz Agva
VOTEV Sazgruppe: Leitung Sedat Poyraz, Aylin Kirgöz, Abidin Günes, Hakan Akdag, Muhammet Tamer, Cahit Kirgöz
Nächster Termin:
21. Juni 2013, 20.30 Uhr

Eine Produktion des interkulturellen Theaterverein Motif mit Unterstützung von: Verein erinnern.at, Jüdischen Museum Hohenems sowie okay. zusammen leben/Projektstelle für Zuwanderung und Integration.

»Die Jagd« OmU; Termine: 19.6.-20, 21.6.-22 Uhr

Nach einer schwierigen Scheidung hat der 40-jährige Lucas eine neue Freundin, einen neuen Job und bemüht sich, die Beziehung zu Marcus, seinem Sohn im Teenageralter, wieder herzustellen. Doch alles kommt ins Wanken durch eine Geschichte - eine zufällige Lüge. Als der Schnee fällt und die Weihnachtslichter leuchten, verbreitet sich die Lüge wie ein Virus. Schock und Misstrauen lassen alles außer Kontrolle geraten, und die kleine Gemeinde findet sich plötzlich in einem kollektiven Zustand der Hysterie, während Lucas einen einsamen Kampf um sein Leben und seine Würde führt. Mit seinem siebten Spielfilm Die Jagd legt der vielfach ausgezeichnete Regisseur Thomas Vinterberg das packende, hoch spannende und bewegende Drama einer Hexenjagd vor, das ohne Frage für jede Menge Gesprächsstoff sorgt. Der Mitbegründer der revolutionären Dogma 95-Bewegung, der mit seinem Film Das Fest weltweit Aufsehen erregte, kann sich dabei ganz auf seinen herausragenden Hauptdarsteller verlassen. Dänemarks Superstar Mads Mikkelsen liefert als zu Unrecht beschuldigter Kindergärtner eine der besten Leistungen seiner an Höhepunkten nicht armen Karriere ab.

Regie: Victor Seaström, USA 1925, 74 min; Peter Madsen and CIA play Silent Movies

Eine junge Frau heiratet einen rauen, herzlos wirkenden Texaner. Rau und unfreundlich sind auch die schäbige Hütte, in der sie wohnen, und die Umgebung. Als der Mann abwesend ist, bricht ein Sandsturm los... Eines der Meisterwerke des Stummfilms, das durch herausragende schauspielerische Leistungen und die Einbeziehung von Naturelementen besticht. (Filmdienst, Buchers Enzyklopädie des Films) Mit: Lillian Gish, Lars Hanson, Montagu Love, Dorothy Cumming, Edward Earle, William Orlamond

»Csak a szél« R.: Bence (Benedikt) Fliegauf; OmU; Termine: 19.6.-21.30, 20.6.-19.30 Uhr

Drinnen im Haus, in der Hütte erwacht eine schwarzhaarige Frau. Drei Generationen schlafen in einem Raum, Beine, Arme ineinander verschlungen, die Frau rührt kaltes Wasser, etwas Kaffeepulver und ein paar Teigbrocken in eine Schüssel für den Großvater, weckt die Tochter Anna und diese den Sohn Rio. Es beginnt eines langen Tages Reise in die Nacht. Einer nach dem anderen verlässt das Häuschen, die Mutter wird in der Stadt putzen gehen, die Tochter geht zur Schule, die ihr jüngerer Bruder Rio schwänzt. Eine Roma-Familie, der Vater ist kürzlich nach Kanada ausgewandert, die anderen sollen nachfolgen, sobald das Geld dafür da ist. Doch es gibt Schulden. Und die Angst. Denn in dem ungarischen Dorf wurde eine Roma-Familie ermordet. Die Täter sind entkommen, und niemand will eine Ahnung davon haben, wer das Verbrechen begangen hat. Auch eine andere Roma-Familie, die nahe dem Tatort lebt, sieht sich in ihrer latenten, mühsam verdrängten Angst bestätigt. Der Vater ist weit weg; er möchte seine Frau, die Kinder und den Großvater nachholen, sobald es ihm möglich ist. Die Familie, von rassistischem Terror bedroht und von einer schweigenden Mehrheit im Stich gelassen, versucht den Tag nach der Tat zu überstehen. Und abends, als die Dunkelheit über das Dorf hereinbricht, rückt man im Bett noch enger zusammen als sonst. Doch die Hoffnung, dem Wahnsinn zu entkommen, erweist sich als trügerisch. Ausgehend von einer realen Mordserie, der in Ungarn in wenig mehr als einem Jahr acht Menschen zum Opfer fielen, schildert Benedek Fliegauf die Pogromstimmung, aus der Gewalt gegen Minderheiten entsteht. Die Kamera haftet sich eng an die Fersen der Figuren und macht ihre zunehmende Atemlosigkeit auch physisch erfahrbar. (aus: berlinale.de; tagesspiegel.de, leokino.at)

Kuratorin: Katharina Dohm (SCHIRN)

Der 1951 geborene diCorcia gehört zu den bedeutendsten und einflussreichsten Fotografen unserer Zeit. Seine Bilder schweben zwischen alltäglichen Momenten und detailreich inszenierten Arrangements. Die realitätsnahe Wiedergabe und der scheinbar dokumentarische Blick werden in seinen Arbeiten von einer höchst aufwendigen Bildregie unterwandert. Die Frage nach der Möglichkeit der Abbildung von Realität ist eines der Hauptthemen diCorcias und verbindet die überwiegend in Serien entstandenen Fotografien miteinander. So nahm er für Hustlers (1990-1992) männliche Prostituierte in minutiös inszenierten Settings auf, während er in seiner wohl bekanntesten Serie Heads (2000-2001) New Yorker Passanten völlig ahnungslos in einer Alltagssekunde festhielt. Neben den Werkgruppen Streetwork (1993-1999), Lucky 13 (2004) und A Storybook Life (1975-1999) wird die in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler entstehende Ausstellung in der SCHIRN auch Arbeiten des momentan in Entstehung begriffenen Projekts East of Eden der Öffentlichkeit präsentieren. Erstmalig in Europa präsentiert die SCHIRN das OEuvre des US-amerikanischen Fotografen Philip-Lorca diCorcia in einer umfassenden Retrospektive. Abb: Philip-Lorca diCorcia, Eddie Anderson, 21 years old, Houston, Texas, $ 20, 1990-92 © Courtesy the artist und David Zwirner, New York/London

Tanzstück von Enrique Gasa Valga nach Johann Wolfgang von Goethes »Faust I«; WO: Gr. Haus; Einführung: 19 Uhr

Enrique Gasa Valga zeigt seine Sicht auf den großen deutschen Mythos »Faust«, genauer: auf Goethes Tragödie »Faust. Erster Teil«. Eine besondere Herausforderung, denn zum einen ist der »Faust«-Stoff als Grundlage fur ein Tanztheater ungewöhnlich, zum anderen möchte Gasa Valga die Geschichte nicht einfach nacherzählen, sondern gibt der Handlung einen eigenen Dreh. Sein Faust lebt in einer psychiatrischen Anstalt um 1900 - ob als Insasse oder behandelnder Arzt sei dahingestellt. Die Stationen des Dramas wie der Osterspaziergang, Auerbachs Keller, die Gretchentragödie oder die Walpurgisnacht werden zu (Alb)Traumbildern, Visionen und Wahnvorstellungen, die den Protagonisten heimsuchen. Getrieben von einer tiefen, fast dämonischen Unruhe - verkörpert durch Mephisto - sucht Faust nach einem Moment der inneren Ruhe und meint ihn schließlich im Zusammensein mit seinem Gretchen gefunden zu haben. Ein verhängnisvoller Trugschluss, wie er mit Schrecken feststellt... Die Musik des Tanzstücks wird eine Mixtur aus live gespielter Kammermusik und eingespielten Popsongs sein, von Felix Mendelssohn Bartholdy und Charles Gounod über Edith Piaf und Nina Simone bis zu den Doors und Rolling Stones. Libretto von Enrique Gasa Valga und Katajun Peer-Diamond; Chorographie & Inszenierung Enrique Gasa Valga; Bühne Helfried Lauckner; Kostüme Eva Praxmarer; Musikalische Leitung (Live Musik) Paul Lugger

von Janne Teller für Jugendliche ab 14 J u. Erwachsene; WO: K2; Nächster Termn: 21.6.-9.30 Uhr

Stell dir vor, es ist Krieg - nicht irgendwo weit weg, sondern hier in Europa. Die demokratische Politik ist gescheitert und faschistische Diktaturen haben die Macht übernommen. Wer kann, flieht in den Nahen Osten, wie der 14-jährige Protagonist. In einem ägyptischen Flüchtlingslager versucht er, mit seiner Familie ein neues Leben zu beginnen. Weil er keine Aufenthaltsgenehmigung hat, kann er nicht zur Schule gehen, kein Arabisch lernen, keine Arbeit finden. Er fühlt sich als Außenseiter und sehnt sich nach Hause. Doch wo ist das? ... Janne Teller, 1964 in Kopenhagen geboren, stammt aus einer deutsch-österreichischen Familie und lebt in New York. Für ihre literarische Arbeit wurde sie vielfach ausgezeichnet. In Krieg stellt die Autorin mit einem kleinen Dreh unsere Alltagswirklichkeit auf den Kopf und zwingt uns, in einen hässlichen Zerrspiegel zu schauen. Regie Claudia Holzknecht; Bühne & Kostüme Julia Scheeler; Deutsch von Sigrid C. Engeler

Summertime im Essl Museum

Die Ausstellung »Sommerbilder« zeigt Malerei aus der Sammlung Essl, die assoziativ mit dem Thema Sommer verbunden ist. Dazu kreieren Wiener und Klosterneuburger Szeneköche und Bartender - inspiriert von Werken der Ausstellung - kreative Sommergerichte und coole Summerdrinks. In Kooperation mit gastronomischen Sommerszene-Hotspots kommt es zu einer Vernetzung zwischen musealem Innenraum und urbanem Außenraum... Kunstbetrachtung kann ein wunderbarer Beitrag zu einer Entschleunigung des Seins sein, einer Ausdehnung der eigenen Zeit. Denn die Betrachtung von Kunst braucht Zeit, die im hektischen Alltag ein knappes Gut darstellt. Im Essl Museum kann man im heurigen Sommer in aller Leidenschaft dem entschleunigenden Kunstgenuss nachgehen - sommerliche Bilder von Sigmar Polke, Hubert Scheibl, Max Weiler, Herbert Brandl, David Salle, Wolfgang Herzig, Alex Katz und vielen anderen laden zum Verweilen in den lichtdurchfluteten Ausstellungsräumen ein. Abb: DONALD BAECHLER, Farmstead Lane, 1996-1999, Acryl und Stoffcollage auf Leinwand / Acrylic and fabric collage on canvas, 366 x 183 cm, Foto: Stefan Fiedler - Salon Iris, Wien © VBK, Wien, 2013

Max Frisch; REGIE: Sascha Bunge; WO: Stadttheater; Nächster Termin: 20.6.-20 Uhr!

Gottlieb Biedermann ist Hauseigentümer und Geschäftsmann. Wohlhabend, korrekt und ordnungsliebend. Hausierer kommen ihm nicht ins Haus. Schon gar nicht in der jetzigen Zeit, wo man jeden Tag von Brandstiftern in der Zeitung lesen muss. Doch als eines Tages ein Hausierer vor der Tür steht und an Biedermanns Menschlichkeit appelliert, lässt sich dieser erweichen und den obdachlosen Schmitz auf seinem Dachboden nächtigen. Als plötzlich ein zweiter Hausierer auftaucht und beide zusammen Benzinfässer auf dem Dachboden lagern, wird Biedermann zunehmend misstrauisch. Der Glaube an das Gute im Menschen und an gesunden Humor lässt ihn dennoch weiterhin das Offensichtliche ignorieren, und so gibt er den Brandstiftern am Ende sogar noch die zum finalen Feuer fehlenden Streichhölzer. »Wenn sie wirkliche Brandstifter wären, du meinst, die hätten keine Streichhölzer?« Max Frisch zählt neben Friedrich Dürrenmatt nicht nur zu den bekanntesten modernen Schriftstellern der Schweiz, sondern gehört seit den 1940er Jahren auch zu den bedeutendsten Vertretern der deutschsprachigen Literatur.

n. dem gleichnamigen Film von Fatih Akin Bühnenfassung von Armin Petras; WO: Werkstatt

»Er« hat das Leben satt und rast mit seinem Auto gegen die Wand. Im Krankenhaus trifft er »Sie«, die auch versucht hat sich umzubringen. Als Ausweg aus ihrem strengen türkischen Elternhaus bittet die junge Frau den deutlich älteren Alkoholiker um eine Scheinehe. Er, der seine türkische Muttersprache »weggeworfen« hat und eine tiefe Abneigung gegen alles Türkische hegt, willigt widerstrebend ein. Nach der Hochzeit beobachtet er gleichgültig, wie die junge Frau ihr neues Leben in vollen Zügen genießt. Doch nach und nach verliebt sich der alternde Säufer in die unbeschwerte, lebenshungrige Frau. Als er schließlich im Affekt ihren ehemaligen Liebhaber erschlägt, endet die gerade aufkeimende Idylle jäh. Er muss in den Knast; sie flüchtet sich vor ihrer gewaltbereiten Familie nach Istanbul. Sechs Jahre später treffen sich die beiden wieder - zum ersten Mal in der Türkei. Doch sie müssen feststellen, dass nichts mehr ist, wie es war ... Fatih Akins kompromissloser, hochemotionaler Film über zwei Deutschtürken und ihre hoffnungslose Suche nach Identität aus dem Jahr 2004 wurde nicht nur mit zahlreichen Filmpreisen überschüttet - unter anderem bei den Internationalen Filmfestspielen Berlin, dem Deutschen Filmpreis und dem Europäischen Filmpreis. Er entpuppte sich auch in Deutschland wie in der Türkei als Politikum, das die Rolle der Deutschtürken in ein neues Licht rückte. REGIE: Martin Nimz; AUSSTATTUNG / BÜHNE Gregor Sturm (Bühne und Kostüme), Achim Naumann d\'Alnoncourt (Video) DRAMATURGIE Miriam Reimers

Nino d'Introna und Giacomo Raviccio; Regie: Michael von Oppen; AB 10 Jahren; WO: Werkstatt;

Zwei Verunglückte begegnen sich auf einer winzigen Insel im Ozean. Sie sind sich fremd. Sie sind sich feind. Einer überwindet den Anderen. Und umgekehrt. Bis sie erkennen, dass sie sich nur gemeinsam aus der misslichen Lage befreien können. Sie nähern sich an. Sie versuchen sich zu verstehen. Und nach und nach erfahren sie etwas über den Anderen. Von seiner Sprache. Von seiner Kultur. Sie jagen gemeinsam eine Maus, sie spielen gemeinsam PingPong, sie schreiben gemeinsam einen Brief und verschicken ihn als Flaschenpost. Schließlich versuchen sie, gemeinsam einen Weg von der Insel zu finden ... Mit viel Komik und wenig Sprache erzählen die Autoren von der Begegnung zweier Menschen, die ohne die gemeinhin als lebensnotwenig bezeichneten Dinge eine Welt nach ihrem Maß erschaffen. Die beiden italienischen Schauspieler und Autoren Nino d'Introna und Giacomo Ravicchio haben dem Roman »Die Abenteuer des Robinson Crusoe« von Daniel Defoe die Motive Insel, Fremde und die Unmöglichkeit, sich mittels Sprache verständlich zu machen, entlehnt. AUSSTATTUNG / BÜHNE Jenny Wolf DRAMATURGIE Kathrin Simshäuser MIT Georg Melich, Yannick Zürcher

von Frank Wedekind, Regie und Bühne: Andreas Kriegenburg; WO: Schauspielhaus; 18.45 Einführung

Frank Wedekinds FRANZISKA wurde 1912 an den Münchner Kammerspielen uraufgeführt. Die Handlung ist eine Kolportage, eine Travestie auf Goethes FAUST. Für zwei Jahre verwandelt sich die junge Franziska mit Hilfe des Versicherungsagenten, Talentsuchers und Bühnendichters Veit Kunz in Franz, um alle Ausschweifungen männlichen Lebens kennenzulernen. Als Gegenleistung erwartet Veit Kunz, dass Franziska ihm nach Ablauf dieser Frist als »willenlose Sklavin« zur Verfügung steht. Ein teuflischer Pakt.

Regie: Malte Jelden; Jahrgangsinszenierung des 3. Studienjahrs der Otto-Falckenberg-Schule; WO: Werkraum

In Ödön von Horváths Roman »36 Stunden« von 1929 erhält ein junges Mädchen den Rat, ihre Sinnlichkeit produktiv zu gestalten... 70 Jahre später behauptet das französische Autorenkollektiv TIQQUN Schande besteht nicht darin, gekauft zu werden, sondern im Gegenteil darin, nicht gekauft zu werden. DAS WAR AUF EINER LICHTUNG fragt danach, wie wir uns selbst als Ware verstehen, ob wir im Gegenüber nur noch das Potenzial sehen, uns selbst auf- oder abzuwerten, ob wir »Produkte sind trotz Seele und Fleisch, Liebe und Sehnsucht«.

Meg Stuart/Damaged Goods; WO: Muffathalle; Termine: 18.6. (Künstlergespräch im Anschluss), 19.6.-20.30 Uhr

In VIOLET lassen fünf Tänzer auf simultane wie singuläre Weise eine dynamische Landschaft, ein mit Optionen aufgeladenes Terrain sichtbar werden. Ihre Bewegungen sind Manifestationen unvermittelt auftretender Phänomene, die unmerklich, jedoch unaufhörlich aktiv sind. VIOLET ist ein steiler Abstieg in einen Mahlstrom, in einen Strudel dynamischer Muster und detailliert ausgeführter kinetischer Skulpturen, auf der Bühne live begleitet durch Elektronik und Perkussion des Musikers Brendan Dougherty. Nach einer Phase des Austauschs und der Zusammenarbeit mit anderen Künsten wendet sich Meg Stuart mit VIOLET wieder der Bewegung als primärem Motor zu und verbindet Choreographie mit einer Alchemie der Sinne. VIOLET ist das vielleicht abstrakteste Stück Stuarts aus ihrer langjährigen Karriere, es trägt die einzigartige Signatur ihrer Kunst, die an einer fragilen »condition humaine« in ihrer sehr physischen Ausprägung arbeitet. von Alexander Baczynski-Jenkins, Varinia Canto Vila, Adam Linder, Kotomi Nishiwaki, Roger Sala Reyner; Bühne: Janina Audick, Kostüme: Nina Kroschinske, Live-Musik: Brendan Dougherty, Licht: Jan Maertens, Dramaturgie: Myriam Van Imschoot, Technische Koordination: Oliver Houttekiet, Soundtechnik: Richard König, Lichttechnik: Frank Laubenheimer, Produktionsleitung: Eline Verzelen, Bühnenbildassistenz: Julia Kneusels, Kostümassistenz: Nina Witkiewicz, Tourmanager: Annabel Heyse, Produktionsassistenz: Mira Moschallski

Ein barockes Festspiel; Mezzosopran: Marina Prudenskaja; Musikalische Leitung: Christophe Rousset; WO: Opernhaus; 19 Uhr: Einführung

Der Cembalist und Dirigent Christophe Rousset gestaltet mit Musikern des Staatsorchesters Stuttgart ein barockes Festspiel. In Arien, Kantaten und Concerti lässt Rousset mit Marina Prudenskaja die prunkvollen Seiten des 18. Jahrhunderts wieder aufleben. Jean-Baptiste Lully aus: Phaeton, Tragédie en Musique(1682) Ouverture, Air pour les Tritons; Rondeau; Entrée des Furies; Chaconne; ca. 9 Min. Jean-Baptiste Lully aus: Psyché, Tragédie en Musique (1671); Plainte Italienne, gesungen von einer Trauernden, ca. 7 Min. Georg Friedrich Händel aus: Ariodante, Dramma per Musica (1734), Ouverture; »Scherza infida, in grembo al drudo« (Arie des Ariodante); Gavotte; Rondeau »Dopo notte, Atra e Funesta« (Arie des Ariodante) ca.. 20 Min. - PAUSE - Georg Friedrich Händel aus: Arianna in Creta; Dramma per Musica (1733) Ouverture; »Qual Leon che fere irato« (Arie des Tauride) ca. 9 Min. Jean-Philippe Rameau aus: Hippolyte et Aricie; Tragédie en Musique (1733) Ouverture; Premier air Internal Deuxième air Infernal; Premier air des Matelots; Premier Rigaudon en Tambourin; Premier air Deuxième air en Rondeau; Chaconne; ca. 15 Min.

Macro Micro

Gunter Damisch (*1958 in Steyr/Oberösterreich) wurde in den 1980er Jahren im Rahmen der »Neuen Wilden« bekannt, einer losen Gruppe junger Künstler, die mit ihren expressiven und farbintensiven Bildern auf den zuvor international angesagten Tod der Malerei reagierten. In seinem umfangreichen Schaffen kreierte Damisch eine individuelle Ikonografie und Mythologie, die im Grenzbereich zwischen Figuration und Abstraktion seine Bildwelten ausloten. Die jüngst entstandenen monumentalen Holzschnitte, Unikatdrucke und Druckcollagen des Künstlers, der seit 1992 als Professor für Grafik und druckgrafische Techniken an der Akademie der bildenden Künste tätig ist, werden in dieser Ausstellung erstmals der Öffentlichkeit präsentiert. Abb: Gunter Damisch, SEITLICHES WELTWEGNETZ (Nr. 0759), 2010, Holzschnitt, abfallend, Auflage: 5 + 2EA, Arches Bütten 400g, Druck: Kurt Zein, Wien © Gunter Damisch, Foto: Günter König

»Anna O. lernt denglisch in den Energieferien« / WO: MAK-Galerie

Verena Dengler beschäftigt sich fortlaufend mit respektlosen Aneignungen von Kunst in einer angewandten Form, mit falschen Übersetzungen von Oberflächen, speziell von Textildesign. Auch das Phänomen des Sammelns, mit Blick auf ihre eigene, private Mode- und Stoffsammlung, und der Objektbeziehung - sei es in Form einer Identifikation mit dem Getragenen oder eines losen Interesses am Ungetragenen, Gehorteten - versucht sie im Rahmen ihres Projekts zur Studiensammlung zu beleuchten. Kuratorin Janina Falkner, MAK-Sammlung Gegenwartskunst / Ausstellungsreihe Sichtwechsel- In der Ausstellungsreihe setzen sich vier in Wien lebende und arbeitende KünstlerInnen der jüngeren Generation konkret mit der MAK-Studien - sammlung auseinander... Abb: Verena Dengler, Graues Stickbild nach Vorlage Olympia von Tapex-Vienna, 2009, Courtesy Galerie Meyer Kainer, Wien © Patrick Anthofer

»My Stage is Your Domain« Kuratorin Marlies Wirth; WO: MAK-Studiensammlung Möbel

Unter dem Titel »My Stage is Your Domain« entwirft die Wiener Video-, Foto- und Installations-künstlerin Lisa Truttmann (geb. 1983) Möglichkeits- Räume für die Imagination des Undarstellbaren. Nach dem Prinzip des »Imagineering«, dem Entwickeln von (Bild-)Welten nach subjektiven Vorstellungen, das sie als zentrales Leitmotiv ihrer Arbeit beschreibt, verknüpft sie Dokumentarisches und fiktiv Inszeniertes und nähert sich Personen, Augenblicken und Orten an... Titel gebend ist die speziell anlässlich der MAK-Ausstellung entwickelte zweiteilige Videoinstallation »My Stage is Your Domain«: Innerhalb minimaler Erzählstrukturen porträtiert Truttmann befreundete Künstlerinnen in angedeuteten Zitaten, baut subtil komponierte Bildräume bzw. Bühnen (my stage), die von den Protagonistinnen durch ihr Wirken und ihre Charakteristika besetzt und belebt werden (your domain). Oszillierend zwischen inszenierter Fotografie und bewegten Sequenzen macht sich die Künstlerin in surreal poetischer Bildsprache auf Spurensuche nach Fremdbildern, Selbstbildern und Projektionen. Die in der Videoinstallation agierenden Künstlerinnen entwickelten zur Ausstellung Performances, die einmalig am Eröffnungsabend präsentiert werden: Verena Dürr Ellipse und Nina Frgic Mother Beast and Her Savage Daughters. Die ebenfalls in der Ausstellung gezeigte Videoarbeit Amulets and Living Beings (Argentinien 2012/2013) entstand gemeinsam mit Marta Armengol Pujol / Eine Kooperation von MAK und Universität für angewandte Kunst Abb: Marta Armengol Pujol, Lisa Truttmann, Amuletos y seres vivientes/ Amulets and Living Beings, 2013, Videostill BARRER © Marta Armengol Pujol, Lisa Truttmann

WO: Studiobühne

Die Reihe »Junge Choreografen« hat sich zum Ziel gesetzt, Talente früh zu erkennen und zu fördern. Einmal pro Spielzeit wird deshalb der choreografische Nachwuchs des Balletts Zürich im Mittelpunkt stehen. Interessierte Tänzerinnen und Tänzer des Ensembles erhalten die Möglichkeit, sich als Choreografen vorzustellen. Dabei stehen sie vor der reizvollen Aufgabe, Tanz aus einer anderen Perspektive zu entdecken und in gegenseitiger Inspiration einen gemeinsamen Ballettabend zu präsentieren. Mit ihren Tänzerkollegen werden die Nachwuchskünstler ihre neuen Kreationen einstudieren und können sich bei dieser Gelegenheit auch als Bühnen- und Kostümbildner versuchen. Die spannende Vielfalt an choreografischen und szenischen Ideen wird dem Publikum an fünf Abenden auf der Studiobühne präsentiert, und möglicherweise begegnet man dem einen oder anderen Namen schon bald auf einer grossen Ballettbühne. Choreografen: Daria Chudjakowa; Andrei Cozlac; Benoît Favre; Eva Dewaele; Daniel Goldsmith; Pornpim Karchai; Olaf Kollmannsperger; Mélissa Ligurgo; Filipe Portugal; Manuel Renard; Robin Strona; Giulia Tonelli

von Friedrich Schiller; Regie Dusan David Parízek; WO: Pfauen

Es wird sich nichts geschenkt in der Innerschweiz. Die ausländische Ordnungsmacht findet beim Bergvolk keine Akzeptanz und ihre Übergriffe werden von den Einheimischen mit gleicher Münze erwidert. Inmitten dieser Auseinandersetzungen wird der eigenbrötlerische Jäger Wilhelm Tell (»Mir fehlt der Arm, wenn mir die Waffe fehlt«) zum Freiheitshelden und Landesretter... Das Schauspielhaus hat wieder einen Tell. Nur welchen? Einen politischen Attentäter, der sich durch seinen Anschlag auf den verhassten ausländischen Statthalter Gessler an die Spitze der Bewegung katapultiert? Einen eigenbrötlerischen Gebirgsjäger, der persönliche Rache nimmt an einem Mann, der ihn fast zum Mörder seines Kindes werden liess? Ein Provinz-Superman mit kräftigen Schultern und schwerem Geschoss, der sich Gruppenzwängen geschickt verweigert? Oder einfach eine aus Skandinavien eingeschleuste Sagenfigur, in der sich das Wunschdenken von Generationen abbildet? Rütlischwur und Apfelschuss dienen Schiller in seinem Drama von 1804 dazu, das Recht auf Tyrannenmord zu diskutieren.

von Carmelo Samonà, Remo Rostagno, Antonio Viganò, Michele Fiocchi; Ab 10 J; Schweizer EA; WO: Schiffbau, Matchbox; anschl. Publikumsgespräch

Zwei Brüder leben gemeinsam in einer Wohnung. Einer der beiden hat autistische Züge, lebt in einer eigenen Welt. Der andere bemüht sich um ihn, übernimmt Verantwortung für das Leben seines Bruders, hilft ihm den Alltag zu bewältigen. Er versucht ihn zu verstehen, mit ihm zu kommunizieren, eine Logik im Verhalten seines Bruders zu finden, Zugang zur seiner Welt zu finden. Mit Hilfe von Ritualen und Spielen, schafft er es, sich seinem Bruder anzunähern, Momente der Gemeinsamkeit zu finden. Geschichten, das Nachspielen von Geschichten scheinen den kranken Bruder glücklich und froh zu machen. Momente der Gemeinsamkeit wechseln mit Augenblicken der Verzweiflung, wenn die scheinbare Nähe wieder unendlich weit wegrutscht, ohne dass man weiss, warum und weshalb. Die Sprache ist einfach, das Spiel emotional, Gesten, Bewegungen und Tanz sind Ausdrucksmittel, um eine gemeinsame Sprache zu finden, eine Kommunikation, die sich Worten und rationaler Logik verweigert. Regie Antonio Viganò

Oper von Dmitri Schostakowitsch; Sprache: russ/deÜt; Einführung: 45 Min. vor Beginn

Die junge Kaufmannsgattin Katerina Ismailowa wird zur dreifachen Mörderin. Ihrem tyrannischen Schwiegervater rührt sie Rattengift ins Pilzgericht, gemeinsam mit ihrem Liebhaber erschlägt sie ihren Ehemann, und noch im sibirischen Straflager reisst sie beim finalen Sprung aus dem Leben eine Nebenbuhlerin mit in den Tod. Trotzdem ist Katerina inmitten einer Horror-Männerwelt aus Habgier, Geilheit und Gewalt die einzige Figur mit menschlichem Antlitz in dieser Oper. Nur für sie hat Schostakowitsch einen mitfühlenden Ton reserviert. Die Gesellschaft, in der sie zur Mörderin wird, ist barbarisch. Schiefmäulig grinsen uns die Fratzen menschlicher Bosheit aus Schostakowitschs grandioser Partitur an... Lady Macbeth von Mzensk wurde 1934 in Leningrad uraufgeführt. Sie markiert einen entscheidenden Wendepunkt im Schaffen von Schostakowitsch. Nachdem Jossif Stalin 1936 eine Aufführung der Oper besucht hatte, erschien in der Prawda der berühmte Artikel Chaos statt Musik. Darin wurde das Werk als Ausdruck von »linksradikaler Zügellosigkeit« und »kleinbürgerlichem Neuerertum« gegeisselt. Es verschwand von den Bühnen, Schostakowitsch musste um sein Leben fürchten, komponierte nie wieder eine Oper und verbarg fortan sein wahres musikalisches Fühlen und Denken hinter tausend Masken. Oper in neun Bildern von Dmitri Schostakowitsch (1906-1975), Libretto von Alexander G. Preis und Dmitri Schostakowitsch nach einer Novelle von Nikolai Leskow; Musikalische Leitung: Teodor Currentzis (7, 10, 13, 17, 20, 23 Apr), Vassily Sinaisky (28 Apr; 3 Mai; 19, 21 Jun), Inszenierung Andreas Homoki

von Carmelo Samonà, Remo Rostagno, Antonio Viganò, Michele Fiocchi; Ab 10 J; WO: Schiffbau, Matchbox

Zwei Brüder leben gemeinsam in einer Wohnung. Einer der beiden hat autistische Züge, lebt in einer eigenen Welt. Der andere bemüht sich um ihn, übernimmt Verantwortung für das Leben seines Bruders, hilft ihm den Alltag zu bewältigen. Er versucht ihn zu verstehen, mit ihm zu kommunizieren, eine Logik im Verhalten seines Bruders zu finden, Zugang zur seiner Welt zu finden. Mit Hilfe von Ritualen und Spielen, schafft er es, sich seinem Bruder anzunähern, Momente der Gemeinsamkeit zu finden. Geschichten, das Nachspielen von Geschichten scheinen den kranken Bruder glücklich und froh zu machen. Momente der Gemeinsamkeit wechseln mit Augenblicken der Verzweiflung, wenn die scheinbare Nähe wieder unendlich weit wegrutscht, ohne dass man weiss, warum und weshalb. Die Sprache ist einfach, das Spiel emotional, Gesten, Bewegungen und Tanz sind Ausdrucksmittel, um eine gemeinsame Sprache zu finden, eine Kommunikation, die sich Worten und rationaler Logik verweigert. Regie Antonio Viganò

D; Termine: 5., 12., 19., 26.6., 3., 10.7.-14.30 Uhr; Zeichentrickfilm für Kinder ab 6 J

In der kleinen Stadt Daisy Town, mitten in den weiten Ebenen des Wilden Westens, sind Schlägereien und Schiessereien an der Tagesordnung. Damit endlich wieder Ruhe und Ordnung einkehren, muss ein Sheriff her, der die Banditen hinter Gitter bringt und das Gesindel vertreibt. Zum Glück gibt es Lucky Luke, den einsamen Cowboy, der schneller zieht als sein Schatten. Mit seiner Hilfe sind die Schurken schnell erledigt. Doch neues Ungemach ist schon im Anzug, als die gefürchteten Dalton-Brüder in die Stadt einreiten und damit beginnen, die ahnungslose Bevölkerung für ihre Zwecke zu manipulieren. Den vier Daltons gelingt es sogar, die Indianer zum Angriff auf die Siedler zu überreden. Lucky Luke durchschaut allerdings auch diese List, und gemeinsam mit Jolly Jumper, seinem ebenso treuen wie intelligenten Gaul, kann er die Gefahr im letzten Moment gerade noch abwenden. Doch weshalb ist aus Daisy Town plötzlich eine Geisterstadt geworden? LUCKY LUKE - DAISY TOWN ist die erste und beste Adaption eines Lucky-Luke-Abenteuers für die Leinwand, denn sie trifft das Slapstickartige und den wunderbar parodistischen Ton von Morris\\\' Comicvorlage perfekt.

F/d; Termine: 15., 23.6.-20.45, 19.6.-18.15, 27.6.-15 Uhr; Michael Haneke

Erika Kohut, Ende dreissig und Klavierlehrerin am Konservatorium in Wien, lebt mit ihrer Mutter zusammen - streng kontrolliert, ohne Privatsphäre, ohne Möglichkeiten, ein eigenes Leben zu entdecken. Der Enge entflieht sie durch Voyeurismus und Selbstverstümmelung. Den neuen Studenten Walter Klemmer fasziniert die Unnahbarkeit seiner Klavierlehrerin. Er setzt sich in den Kopf, ihr emotionales Gefängnis aufzubrechen... Elfriede Jelineks als unverfilmbar geltender fünfter Roman Die Klavierspielerin erschien 1983 und »wurde von der Kritik als eine «ins Monströse vergröberte» Analyse (klein-)bürgerlicher Mentalität aufgefasst, in der die Autorin in gewohnt rabulistischer Weise das Verhältnis von Macht, Besitz und (sexueller) Lust seziert.« (Josef Lederle, film-dienst, 20/2001) ... Mit La pianiste gelang Haneke der internationale Durchbruch. Das provokante Drama erhielt zahlreiche Auszeichnungen, u. a. den Grossen Preis der Jury in Cannes, wo auch Isabelle Huppert für die Titelrolle mit dem Darstellerpreis geehrt wurde.

F/d; Termine: 20.6.-18.15, 27.6.-20.45 Uhr;Michael Haneke

Georges und Anne sind um die 80, kultivierte Musikprofessoren im Ruhestand. Eines Tages hat Anna einen Anfall - der Beginn einer Bewährungsprobe für die Liebe der Beiden. »Von Zeit zu Zeit braucht unser ästhetischer Apparat eine Neukalibrierung. Etwas, das uns daran erinnert, was - in unserm Fall - Filmkunst doch auch noch sein kann. Amour ist wieder einmal einer dieser Filme, die Massstäbe zurechtrücken. (...) Emmanuelle Riva und Jean-Louis Trintignant versammeln in ihren vermutlich letzten grossen Altersrollen noch einmal ihr ganzes, stupendes Können. Sie zeigen Grade der Selbstentäusserung bei gleichzeitiger souveräner Kontrolle auch unwillkürlichster Regungen und minimster Gefühlsnuancen, wie sie nur das Kino ermöglicht - dasjenige eines Michael Haneke.« (Christoph Egger, NZZ, 27.9.2012)