Night Fever. Design und Clubkultur 1960 – heute

05.09.2018

17.03.2018 bis 09.09.2018  Vitra Design Museum

Nachtclubs und Diskotheken sind Epizentren der Popkultur. Seit den 1960er Jahren versammelte sich hier die Avantgarde, um gesellschaftliche Normen infrage zu stellen und andere Ebenen der Wirklichkeit zu erkunden. Viele Clubs waren Gesamtkunstwerke, bei denen Innenarchitektur und Möbeldesign, Grafik und Kunst, Licht und Musik, Mode und Performance miteinander verschmolzen.


«Night Fever. Design und Clubkultur 1960 – heute» ist die erste umfassende Ausstellung zur Design- und Kulturgeschichte des Nachtclubs. Die gezeigten Beispiele reichen von italienischen Clubs der 1960er Jahre, die von Vertretern des Radical Design geschaffen wurden, bis hin zum legendären Studio 54, in dem Andy Warhol Stammgast war – vom Palladium in New York, das von Arata Isozaki entworfen wurde, bis hin zu den Konzepten von OMA für ein neues Ministry of Sound in London.

Neben Möbeln, Modellen und Mode umfasst die Ausstellung seltene Filmdokumente, Musikbeispiele, Grafikdesign sowie zeitgenössische Positionen von Künstlern und Fotografen wie Mark Leckey, Chen Wei oder Musa N. Nxumalo. Ergänzt durch raumgreifende Installationen mit Musik und Lichteffekten, entführt «Night Fever» den Besucher auf eine faszinierende Reise durch Subkulturen und Glitzerwelten.

Die Ausstellung «Night Fever» beginnt mit einem Blick auf die Nachtclubs der 1960er Jahre, die erstmals Räume für Experimente mit Innenarchitektur, neuen Medien und alternativen Lebensstilen boten. Dazu zählten Orte der New Yorker Subkultur, wie der Electric Circus (1967), der von dem Architekten Charles Forberg und dem berühmten Grafikdesign-Duo Chermayeff und Geismar gestaltet wurde. Mit seinem multidisziplinären Charakter beeinflusste er auch Clubs in Europa, darunter den Space Electronic in Florenz (1969), der von dem Kollektiv Gruppo 9999 konzipiert wurde und damit zu einem von mehreren Nachtclubs zählte, die in Kooperation mit Architekten des italienischen Radical Design entstanden.

Hierzu gehörte auch der Club Piper (1966) in Turin, den Giorgio Ceretti, Pietro Derossi und Riccardo Rosso als multifunktionalen Raum konzipierten. Dieser lud mit seinen modularen Möbeln nicht nur zum Tanzen ein, sondern war auch für Konzerte, Happenings und experimentelles Theater geeignet. Das von der Gruppe UFO konzipierte Bamba Issa (1969), ein toskanischer Strandclub in Forte dei Marmi, war hingegen selbst eine Art Theater: Als Bühne fungierte hier das gesamte Interieur. Während der drei Jahre seiner Existenz wurde der Club jeden Sommer zu einem neuen Thema vollkommen umgestaltet.

Mit dem Aufstieg der Disco-Bewegung erfuhr die Clubkultur in den 1970er Jahren einen neuen Entwicklungsschub. Disco-Musik wurde nun ein eigenes Genre, der Dancefloor bot eine Bühne für kollektive und individuelle Performances, Modemacher wie Stephen Burrows oder Halston lieferten die passenden Outfits für den glanzvollen Auftritt. Das von Ian Schrager und Steve Rubell 1977 eröffnete New Yorker Studio 54, wurde mit seiner Einrichtung von Architekt Scott Bromley und Interior Designer Ron Doud zum beliebten Treffpunkt für die Idole des damals einsetzenden Starkults. Nur zwei Jahre später markierte der Film «Saturday Night Fever» bereits den Höhepunkt der Kommerzialisierung der Disco-Bewegung. In Gegenbewegungen wie der «Disco Demolition Night» in Chicago (1979), kamen teils von Homophobie und Rassismus geprägte reaktionäre Tendenzen zum Ausdruck.

Gleichzeitig boten Clubs wie der Mudd Club (1978) oder Area (1978) in New York durch die Verbindung von Nachtleben und Kunst aufstrebenden jungen Künstlern neue Möglichkeiten: In dieser Szene begann die Karriere von Keith Haring und Jean Michel Basquiat. In Londoner Clubs wie Blitz und Taboo entstand derweil mit den New Romantics ein neuer Musik- und Modestil. So zählten die Betreiber der Clubnacht «Kinky Gerlinky», Michael und Gerlinde Costiff, die Modedesignerin Vivienne Westwood zu ihren treuesten Kunden. In Manchester gestaltete der Architekt und Designer Ben Kelly zur gleichen Zeit eine postindustrielle Kathedrale des Rave, den Club Fac 51 Haçienda (1982), der unter anderem von der britischen Band New Order mitfinanziert wurde. Von dort eroberte besonders Acid House, ein Subgenre des House, ganz Großbritannien.

House und Techno, ursprünglich in den Clubs von Chicago und Detroit entstanden, können als die beiden letzten großen Bewegungen der Dance Music bezeichnet werden, die eine ganze Generation von Clubs und Ravern prägten. Das gilt auch für die Szene im Berlin der frühen 1990er Jahre, wo Clubs wie Tresor (1991) verlassenen und heruntergekommenen Räumen, die nach dem Fall der Mauer entdeckt wurden, neues Leben einhauchten. Auch das Berghain, das 2004 in einem ehemaligen Heizkraftwerk eröffnet wurde, ist ein Beleg dafür, dass sich eine lebendige Clubszene vor allem dort entwickelt, wo sich ihr die nötigen urbanen Freiräume bieten.

Seit den 2000er Jahren ist die Entwicklung der Clubkultur komplexer geworden. Einerseits boomt sie und entfaltet sich weiter, wird von globalen Marken und Musikfestivals aufgegriffen; andererseits sind viele Nachtclubs selbst inzwischen Geschichte, wurden aus den Städten hinaus gedrängt oder existieren nur noch als Ruinen einer feierfreudigen Vergangenheit. Gleichzeitig ist eine neue Generation von Architekten herangewachsen, die sich abermals mit dem Nachtclub als Typologie auseinandersetzt: Darunter ist das niederländische Architekturbüro OMA unter der Ägide von Rem Koolhaas, das ein neues Konzept für einen der bis heute berühmtesten Clubs der Welt, das Ministry of Sound in London, als Club des 21. Jahrhunderts, vorgeschlagen hat. Auch das Architektur- und Design Studio Akoaki, das mit seinem «Mothership», einer mobilen DJ Kanzel, auf die reiche Clubgeschichte seiner Heimat Detroit aufmerksam macht, ist hierfür ein Beispiel.

Ergänzend zum chronologischen Aufbau der Ausstellung haben der Ausstellungsgestalter Konstantin Grcic und der Lichtdesigner Matthias Singer eine Musik- und Lichtinstallation entwickelt, die die Besucher direkt in die bewegte Geschichte der Clubkultur eintauchen lässt. Dazu unterstreicht eine ausgewählte Sammlung von Plattencovern, darunter Peter Savilles Designs für Factory Records oder Grace Jones‘ programmatisches Albumcover «Nightclubbing», die wichtigen Zusammenhänge von Musik und Design in der Clubkultur von 1960 bis heute. Auch dieser Teil der Ausstellung zeigt, dass Nachtclubs viel mehr sind als vier Wände und ein Dach: Sie schaffen Räume für intensive und multimediale Erfahrungen, die bis heute in keiner anderen Umgebung erlebt werden können.


Night Fever. Design und Clubkultur 1960 - heute
17. März bis 9. September 2018

Vitra Design Museum
Charles Eames-Strasse 1
D-79576 Weil am Rhein
T: 0049 (0)7621 7023-200
F: 0049 (0)7621 7023-590
E: info-weil@design-museum.de
W: http://www.design-museum.de


Öffnungszeiten

täglich 10 - 18 Uhr

 


  • Vincent Rosenblatt, Tecnobrega #093 Tupinambá, 2016. Aus der Serie Tecnobrega – The Religion of Soundmachines. Metropoles Club Belém do Pará, Brasilien; Tintendruck auf Barytpapier (2018), 100 x 66 cm. © Vincent Rosenblatt
  • Nachtclub Les Bains Douches, Paris, 1990er Jahre. Gestaltung: Philippe Starck; © Foc Kan
  • Gäste im Studio 54, New York, 1979; © Bill Bernstein, David Hill Gallery, London
  • Walter Van Beirendonck, Modenschau der Kollektion Wild & Lethal Trash (W.&L.T.) für Mustang Jeans, Herbst / Winter 1995/96; Foto: Dan Lecca / Mit freundlicher Genehmigung von Mustang Jeans
  • Hasse Persson, Calvin Klein Party, 1978; © Hasse Persson
  • Palladium, New York, 1985. Architekt: Arata Isozaki, Wandbild von Keith Haring.; © Timothy Hursley, Garvey | Simon Gallery New York
  • Volker Hinz, Grace Jones zum 'Confinement' (Haft) Thema, Area, New York, 1984; © Volker Hinz
Vitra Design Museum
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D-79576 Weil am Rhein
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täglich 10 - 18 Uhr

 


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